Originaire de Quimper, PARADISE777 est un DJ et producteur breton qui explore les multiples facettes de la bass music. Nourri par les influences de la scène britannique, il navigue entre UK bass, jungle, breaks et sonorités expérimentales, avec un goût prononcé pour les subs, les rythmiques déstructurées et les textures singulières.

Derrière les platines, il privilégie l’instinct et la spontanéité, construisant des sets évolutifs où se mêlent contrastes d’intensité, changements de tempo et atmosphères hypnotiques. Une approche qui l’a notamment amené à se produire au Glazart (Paris), au Macadam (Nantes), à La Suite (Brest), au Novomax (Quimper) ainsi qu’au Made Festival (Rennes).

En parallèle, il développe son univers à travers des sorties sur Tripalium Corp, Matière, Bad Tips, TÊTE VIDE, DANS LA ZONE, Armen Crew, After O’Clock ou encore Minuit Rapide. Passionné par le sound design et influencé par le cinéma, il envisage ses productions comme des paysages sonores mentaux, entre introspection et énergie brute.

Es-tu familier avec d’autres genres de musiques ?

Au quotidien, j’écoute énormément de grunge, de shoegaze, de nu metal, de reggae, d’indie ou encore de new wave. J’ai toujours été très sensible aux musiques qui utilisent les paroles pour transmettre des émotions, raconter des histoires ou faire passer des messages de manière frontale.

J’ai aussi une affection particulière pour les guitares saturées, les distorsions et les textures un peu sales, qui me touchent énormément. Je pense que ces influences se retrouvent inconsciemment dans mes prod, notamment dans mon rapport à la texture, à la mélancolie.

Qu’as-tu préparé pour ce podcast ? Peux-tu nous parler un peu de ta sélection ?

Comme pour chacun de mes sets, je préfère ne pas trop préparer les choses à l’avance. Chaque mois, je constitue une sélection de morceaux qui m’ont particulièrement marqué, mais je laisse ensuite beaucoup de place à l’improvisation. Ce qui me plaît dans le DJing, c’est justement cette part d’imprévisible, construire une progression sur le moment, prendre des risques et rester sur le fil pendant 1 h 30. J’aime proposer des sets évolutifs, avec beaucoup de contrastes, que ce soit dans les intensités, les rythmiques, les BPM ou les atmosphères. Je trouve ça fascinant de me dire qu’un set n’existera qu’une seule fois sous cette forme, parce qu’il dépend du lieu, du public, de mon humeur et de l’instant. Je privilégie finalement la spontanéité.

Pour ce set, j’ai essayé de faire quelques choses d’évolutifs, en ouvrant avec un track ambiant que j’ai composé pour mon prochain EP qui sortira sur le label breton Dans La Zone, puis de passer sur du dub, IDM, break, dubstep, D&B et finir sur de la jungle. J’ai joué des tracks d’artistes que j’adore comme CWTCH, Beatrice M, Dubrunner, Sublumen, Kombé entre autres. 

En tant qu’artiste, comment souhaites-tu évoluer dans les années à venir ? Y a-t-il un nouveau moyen d’expression artistique que tu aimerais utiliser ?

J’aimerais beaucoup développer un projet live, sur lequel je travaille actuellement. L’idée serait de proposer quelque chose d’expérimental, d’immersif, mais qui conserve une dimension très physique, avec cette envie de faire bouger les corps. Je souhaite aussi m’inspirer davantage du cinéma, de ses narrations et de sa capacité à construire des atmosphères.

La voix est également un médium que j’aimerais explorer plus profondément. Avec le contexte politique, social et écologique actuel, je ressens de plus en plus le besoin d’utiliser la musique pour exprimer des idées et transmettre certains messages.

L’année dernière, j’ai eu l’occasion de réaliser la création musicale et le mixage sonore d’un court-métrage présenté au Nikon Film Festival. C’est une expérience qui m’a beaucoup plu et que j’aimerais vraiment renouveler, que ce soit pour des courts ou des longs-métrages.

De manière générale, j’ai toujours envisagé ma musique comme une façon de créer des paysages sonores mentaux, des espaces dans lesquels chacun peut projeter ses propres images et émotions. Le cinéma et le live me semblent être des prolongements assez naturels de cette démarche.

Un endroit où tu rêverais de jouer ? Un label où tu rêverais de sortir un morceau ? Un collectif avec qui tu rêverais de collaborer ?

Depuis quelques années, j’écoute presque tous les jours des sets sur Rinse. C’est une radio qui m’a fait découvrir énormément d’artistes et de sonorités, donc avoir l’occasion d’y jouer un jour, ce serait vraiment un rêve !

Côté collectif, je dirais Bass Paradize, déjà parce qu’on a presque le même nom lol, mais surtout parce que j’adore leur univers et la scène bass qu’ils défendent. Ce serait un énorme kiff de me retrouver un jour sur l’un de leurs line-ups !

Et pour le lieu, je dirais Fata Morgana. J’y suis allé l’année dernière et j’ai vraiment eu un coup de cœur pour cet endroit. L’ambiance, le cadre, l’atmosphère… Ça m’a vraiment donné envie d’y jouer un jour !

Comment imagines-tu le futur de la scène ?

J’espère avant tout que la scène électronique continuera à cultiver sa diversité et sa capacité à se réinventer. Ce qui me passionne aujourd’hui, c’est de voir les frontières entre les genres devenir de plus en plus poreuses. On peut retrouver de la techno, de la jungle, du dub, de l’ambient ou des influences complètement extérieures aux musiques électroniques au sein d’un même univers artistique. J’aimerais que cette liberté d’expérimentation continue de grandir.

Je pense aussi que la scène a encore beaucoup de chemin à parcourir en matière d’inclusivité et d’accessibilité. Même si des progrès ont été réalisés sur les questions de parité, il reste du travail. Et au-delà du genre, la question de la diversité sociale me semble encore trop peu abordée. J’ai le sentiment que le milieu reste largement marqué par des profils urbains, souvent diplômés, et que l’accès aux réseaux, aux opportunités et aux espaces de création n’est pas le même pour tout le monde. J’aimerais qu’on donne davantage de place aux artistes issus de milieux sociaux et de territoires différents.

Je m’interroge également sur la place grandissante des réseaux sociaux et des algorithmes dans la musique. J’ai parfois l’impression que l’image, la communication et la capacité à se rendre visible prennent le dessus sur la démarche artistique elle-même. C’est dommage, parce que certains projets passionnants passent sous les radars simplement parce qu’ils ne maîtrisent pas ces codes ou ne souhaitent pas s’y conformer.

C’est aussi pour ça que je crois énormément au rôle des petits collectifs, des lieux indépendants et des scènes locales. Ce sont des espaces essentiels pour expérimenter, prendre des risques, découvrir des artistes et créer du lien, loin des seules logiques de visibilité ou de rentabilité.

Quel est ton processus artistique lorsque tu produis de la musique ?

Je fonctionne beaucoup à l’instinct. Je commence rarement un morceau avec une idée très précise du résultat final ou du genre dans lequel il doit s’inscrire.

Mon point de départ, c’est souvent une texture, une sonorité, une rythmique ou une atmosphère qui provoque quelque chose chez moi. Je peux passer énormément de temps à travailler le sound design, à déformer des sons, à explorer des effets et à chercher des timbres un peu singuliers.

J’accorde une grande importance aux contrastes. J’aime confronter des éléments très organiques à des sonorités synthétiques, des textures douces à des basses très abrasives, ou des passages presque contemplatifs à des rythmiques beaucoup plus physiques.

J’essaie de construire mes morceaux comme des sortes de voyages intérieurs. Même lorsqu’il n’y a pas de paroles, j’aime imaginer qu’une musique puisse raconter une histoire, suggérer un décor ou faire émerger des images chez celui qui l’écoute.

Je pense que mon rapport au cinéma influence beaucoup cette manière de composer. Je cherche autant à créer une sensation ou un paysage mental qu’à produire un morceau fonctionnel pour le dancefloor.

Et surtout, j’essaie de ne pas trop me fixer de règles. J’aime cette idée de ne pas savoir exactement où une expérimentation va me conduire.