De marginalisé à adulé : retour sur les origines du voguing, danse emblématique de la culture LGBTQIA+ et des musiques électroniques
Il était une fois… La tecktonik, le thérémine, le voguing, la drum&bass, la vie des cultures électroniques. Vous connaissiez leur nom mais pas leur histoire. Travail d’investigation et de décryptage, Technopol vous fait revivre les courants, les genres, les événements, les machines, et les mouvements qui ont façonné la culture que nous connaissons aujourd’hui.
La danse voguing a gagné en popularité ces dernières années en raison de son incorporation dans la culture populaire, notamment dans la musique, par exemple avec le DJ Kiddy Smile ou encore la rappeuse américaine Cardi B. Une influence qu’on retrouve aussi dans la mode avec le créateur Jeremy Scott, directeur de la création de Moschino, qui a collaboré avec des voguers pour créer des collections dans lesquelles il a intégré des éléments de cette forme de danse. Le voguing a également été popularisé dans le documentaire de 1990 “Paris Is Burning”, qui a fait connaître ce style de danse à un public plus large. Depuis lors, le voguing a été présenté dans divers clips, films, défilés de mode et performances artistiques. L’essor des médias sociaux a également permis d’accroître la visibilité et l’exposition du voguing, tout en offrant aux danseur·euse·s et aux artistes une plateforme pour montrer leurs talents. En outre, la nature compétitive du voguing, comme dans les battles et les événements de danse, a contribué à maintenir la pertinence et la popularité de ce style de danse dans la culture actuelle. Née dans les communautés LGBTQIA+ afro-américaines et latinos de New York, le voguing est devenu un phénomène culturel courant, largement reconnu et célébré dans le monde entier.
Le voguing, force d’affirmation des communautés noires et latinos LGBTQIA+
Les origines du voguing remontent à la fin des années 1960 à New York. Elle a été développée par des membres de la communauté LGBTQIA+ comme symbole d’auto-expression, d’unité et de célébration de l’identité. Le voguing est une forme de danse hautement stylisée, énergique et théâtrale, appréciée par des personnes de tous âges, sexes et cultures. Le style de danse est caractérisé par la pose-mannequin, telle que pratiquée dans le magazine américain Vogue de l’époque et lors des défilés de mode, intégrée avec des mouvements angulaires, linéaires et rigides du corps, des bras et des jambes.
Le voguing a d’abord été pratiqué lors de compétitions de danse de salon clandestines, organisées par des drag queens qui faisaient office de juges. Ces compétitions étaient une source de renforcement de la communauté, ainsi qu’un moyen pour les individus de s’exprimer et de renforcer leur identité, peu considérée dans la société traditionaliste dans laquelle iels se trouvaient. Le voguing est en effet apparu à une époque où la communauté LGBTQIA+ était particulièrement confrontée à d’importants défis et à la discrimination. Plus qu’un style de danse, le voguing est une déclaration politique qui a permis aux membres de la communauté de mettre en valeur leur style, leur créativité, leur individualité et d’affirmer leur présence dans la sphère publique. Le voguing était, et est toujours, une forme de résistance contre les normes sociétales hétéronormatives et discriminatoires qui ont traditionnellement marginalisées la communauté LGBTQIA+.
Une autre implication politique du voguing est son association avec les communautés noires et latinos. Comme le voguing est né parmi ces communautés, il en est depuis devenu un moyen pour les membres de celles-ci d’affirmer leur identité culturelle et de résister au racisme et à la discrimination systémique auxquels iels étaient confronté·e·s. Le voguing a également permis aux membres de ces communautés de se réunir, de célébrer leurs identités et de développer un sentiment de communauté et de solidarité.
Les musiques électroniques comme toile de fond des voguers
Dans les années 1980 et 1990, le voguing est devenu plus populaire et a commencé à se répandre au-delà de la communauté LGBTQIA+, notamment par l’indéniable influence de la musique électronique. Celle-ci a fourni la toile de fond parfaite pour que les voguers puissent s’exprimer avec ses rythmes pulsés et entraînants qui créent une atmosphère unique et énergique. La musique électronique a permis aux voguistes d’explorer une variété de styles et de mouvements différents, de la house à la techno en passant par la trance. Cela a donné lieu à une gamme incroyablement diversifiée de styles de voguing, certains danseur·euse·s incorporant des éléments de ballet, de hip-hop et même de breakdance dans leurs routines. L’influence de la musique électronique sur le voguing a également permis le développement de nouvelles formes, comme le “vogue femme”, qui se caractérise par des poses et des mouvements exagérément féminins. Ce style témoigne de la créativité et de l’innovation qui ont été inspirées par le mariage du voguing et de la musique électronique. En définitive, la musique électronique a joué un rôle déterminant dans l’évolution du voguing en tant que forme artistique, lui permettant d’atteindre de nouveaux sommets et inspirant d’innombrables danseurs dans le monde entier. Cette union a su créer un environnement sûr et acceptable pour ceux·celles qui participent à la scène et a contribué à promouvoir la diversité et l’acceptation dans la société.
Un héritage qui continue d’influencer la culture et la mode
En plus de leur influence sur le style de danse lui-même, le voguing et la musique électronique ont également influencé la mode et le style de la scène musicale électronique. De nombreux événements de musique électronique proposent désormais des spectacles de voguing, et le style et la mode associés au voguing font désormais partie intégrante de la scène de la musique électronique. Les costumes et le maquillage flamboyants, glamour et accrocheurs des voguers sont devenus une marque de fabrique de la scène, et leur influence est visible dans les vêtements et accessoires portés par les fans et les artistes.
L’impact du voguing et de la musique électronique sur la culture a également été significatif. Le voguing a été présenté dans plusieurs films, émissions de télévision, clips musicaux populaires et continue d’être pratiqué lors d’événements et de compétitions dans le monde entier. A Paris, il existe de nombreux endroits où l’on peut assister à des événements voguing. Parmi les lieux populaires pour le ballroom à Paris, le Centre National de la Danse propose des événements enflammés aux rythmes de battles de gestuelles, de danse voguing et de mode, de postures et d’impostures, en interrogeant les normes sociales et identitaires. Chacun·e peut venir y participer ou y assister.
Pour en découvrir encore plus sur la culture voguing, ne manquez pas le grand Ball Don’t take it personal ball le samedi 11 mars, qui se tiendra à 19h30 à minuit au Grand Studio du Centre National de la Danse à Pantin. Cet événement est organisé par Lasseindra Ninja, une danseuse et chorégraphe basée à Paris. Figure emblématique de la culture ballroom, elle a contribué à faire de Paris la capitale européenne du voguing. Elle utilise le voguing comme un moyen d’expression pour aborder des questions importantes telles que l’identité, la puissance, la vulnérabilité, les racines sociales et politiques, la discrimination et les tabous. Ce ball est gratuit (sur réservation) et ouvert à tous·tes !
On n’allait pas vous laisser sans quelques références….
(La popularité des morceaux de voguing peut varier en fonction des différentes communautés de voguing et des contextes culturels).
6 films et séries télévisées sur la danse de salon et le voguing
The Queen (1968)
The Queen est un film indépendant américain de 1968 réalisé par Frank Simon. Le film est un portrait documentaire du concours de beauté Miss All-America Camp Beauty Pageant de 1967, un concours de beauté pour dragons. Le film présente les candidates alors qu’elles se préparent pour le concours et se termine par le couronnement de la gagnante. The Queen est considéré comme un film marquant dans la représentation des communautés LGBTQ+ dans le cinéma américain et reste dans les mémoires pour sa représentation franche et humoristique de la culture drag.
Disponible sur Netflix
Paris is Burning (1990)
Réalisé par Jennie Livingston, Paris is Burning est un film documentaire américain de 1990. Le film explore la culture des bals de la ville de New York à la fin des années 1980, en se concentrant sur la vie des personnes LGBTQ+ noires et latines qui participaient à ces événements. À travers des interviews et des séquences de bals, le film dépeint les coutumes et les traditions de la communauté, ainsi que leurs luttes contre la pauvreté, le racisme et le sida. Paris is Burning est largement considéré comme une œuvre séminale du cinéma LGBTQ+ et a eu un impact durable sur la culture populaire.
Disponible sur YouTube
How Do I Look (2006)
How Do I Look est un film documentaire réalisé en 2006 par Wolfgang Busch. Le film explore la culture de ballroom de la communauté noire et latino-américaine LGBTQ+ de Los Angeles et se concentre sur la vie de plusieurs personnes impliquées dans la scène. Le film présente des entretiens avec des participants et des séquences de voguing, mettant en évidence les coutumes, les traditions et les modes de la communauté. How Do I Look explore également les thèmes de l’identité, de l’expression de soi et de la communauté, ainsi que les défis auxquels sont confrontés les membres de la scène des bals, notamment la pauvreté, le VIH/SIDA et la discrimination. Le film est considéré comme une continuation de la tradition documentaire établie par Paris is Burning et offre un aperçu unique de la vie des personnes LGBTQ+ à Los Angeles.
Disponible sur Amazon Prime
Kiki (2017)
Kiki est un film documentaire américain explorant la culture contemporaine des bals de la ville de New York et se concentre sur la vie des jeunes LGBTQ+ noirs et latinos qui participent à cette scène. À travers des interviews et des séquences de voguing, le film donne un aperçu d’une communauté dynamique qui valorise la créativité, l’expression personnelle et la résilience face à l’adversité. Le film aborde également des questions telles que les sans-abri, le harcèlement policier et l’impact continu de l’épidémie de sida sur la communauté. Kiki perpétue la tradition des films documentaires sur la culture de la danse de salon et offre un regard nuancé sur la vie et les expériences des jeunes LGBTQ+ dans le New York contemporain.
Disponible sur Hulu
My House (2018)
My House est une série télévisée américaine de 2018 produite par Viceland. L’émission offre un aperçu du monde de la culture de bal à New York et suit un groupe de personnes LGBTQ+ noires et latines qui participent à des bals et naviguent dans leur vie quotidienne. Chaque épisode met en lumière un aspect différent de la communauté de la danse de salon, notamment son histoire, la préparation et l’exécution des bals, et les relations entre les participants. La série offre un regard neuf sur la culture de la danse de salon, en mettant en avant ses traditions, ses coutumes et sa créativité, ainsi que les défis auxquels ses membres sont confrontés. My House s’inscrit dans la lignée des documentaires sur la culture de bal, tels que Paris is Burning, et offre une perspective actuelle de la scène new-yorkaise.
Disponible sur Youtube
Pose (2018)
Pose est une série télévisée américaine de 2018 produite par Ryan Murphy, Brad Falchuk et Steven Canals. Se déroulant à New York à la fin des années 1980, la série explore la culture des salles de bal de la communauté LGBTQ+ noire et latinx et la montée de l’épidémie de sida. La série suit une série de personnages divers, y compris des participants à la danse de salon, qui doivent faire face à des défis personnels et professionnels, notamment la pauvreté, la discrimination et la maladie. Pose a été saluée pour la diversité de ses acteurs et de son équipe, la représentation des personnes LGBTQ+ et des communautés de couleur, et l’impact de sa narration. Elle est largement considérée comme un moment décisif dans la représentation LGBTQ+ à la télévision et a eu un effet durable sur la culture populaire.
Disponible on Netflix
Article écrit par Loisse Moine
Photos ©Chantal Regnault
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